viernes, 17 de octubre de 2008

Sin plenilunio no hay mar

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Por fin he acabado después de dudas y planteamientos este trabajo.
Esta obra es producto del proyecto común del Grupo de Amigos del Arte, bajo el titulo de “Sin Plenilunio no hay mar” iniciativa de Ana L. Moledo.
Representa la luz de la luna vista desde las profundidades marinas, llenas de vida y misterio. Desde que se planteo el tema recurrí a mis recuerdos de submarinista como inicio para este trabajo. Sin bocetos previos me puse manos a la obra, con un fondo oscuro, empecé a añadir materia de forma muy intuitiva, tenia que ser muy fresco y con movimiento, desde el fondo del mar el observador ve reflejada la luna en la superficie en continuo vaivén, en el interior hay paz y misterio pero también vida, algunas formas indefinidas pretende crear esa incertidumbre que provoca lo salvaje.


De dav Rubio. "Luna llena".


Todo bien hasta que recibo el aviso de artelista de que dav Rubio acaba de colgar una obra nueva, mi sorpresa son las coincidencias de planeamiento, es el mismo tema, el mismo enfoque, la ejecución y detalles por supuesto que va cada uno por su lado pero el planteamiento es el mismo no hay duda. Me pongo en contacto con dav, y el con su bonhomía y sorna característica sugiere posibilidades telepáticas, de hermandad,… yo pensé abandonar el trabajo, pero al final creo que la influencia del medio cultural en que nos movemos nos ha llevado al mismo sitio y que es interesante ver el mismo tema trabajado por dos personas diferentes, yo interpreto que en el de dav se ha representado la influencia de nuestra civilización en el mar con una presencia humana patente, al final son diferentes. Que cada uno saque sus valoraciones.

martes, 23 de septiembre de 2008

M. C. ESCHER, EL ESPEJO MÁGICO

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Quien no ha pasado un buen rato contemplando los dibujos imposibles de Escher, el dentro y fuera, arriba y abajo, lo que tu ojo ve pero tu mente no comprende. Para los amantes de esta magnifica mágica grafica y no lo conozcan os dejo un titulo muy interesante sobre este autor que no olvidemos que es de la primer a mitad del siglo veinte, vamos sin ordenador.
TITULO:M. C. ESCHER, EL ESPEJO MÁGICO
AUTOR: ERNST, BRUNO
EDIT.: TASCHEN BENEDIKT


miércoles, 10 de septiembre de 2008

Fuera de su tiempo

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Es difícil de creer que esta obra fue pintada en 1450, no se sabe bien si representa a la amante del rey Carlos VII de Francia o la mujer del artista, en cualquier caso sorprende la figura de la dama que provocaría envidias en las pasarelas del siglo XXI, fijaros en su cintura, por que seguro que en su pecho ya lo habéis hecho, tira por tierra todas las ideas que tenia sobre la silicona, se supone que en esa época aún no se habia inventado.

De cualquier manera es una de esas obras que sorprende no ya por su indudable calidad sino por el tratamiento del tema tan alejado de lo habitual, al tratarse de una imagen de la Santísima Virgen María con Jesús en los brazos.

Para más información
Autor: Jean Fouquet
Obra: Díptico de Melun

jueves, 3 de abril de 2008

El conocimiento secreto. David Hockney

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David Hockney:
El conocimiento secreto.
El redescubrimiento de las técnicas perdidas de los grandes maestros.

ed. Barcelona: Destino, 2002.


Me leí este libro, y considero que es interesante y de actualidad, todos nos preguntamos sobre la legitimidad de usar las técnicas modernas y ya no tan modernas como la fotografía, proyector, edición de imágenes,… para los trabajos en pintura, aquí nos expone como autores antiguos muy reconocidos han usado estas tecnicas (la cámara oscura, la fotografía,..) para sus trabajos. En lugar de hacer un resumen mió seguro que malo, pego un artículo sacado de Internet, seguro que mejor. Espero no incurrir en ningún delito.


Artículo sacado de Internet.
En este interesantísimo libro Hockney propone una hipótesis revolucionaria en la Historia del Arte: aunque esté reconocido que a finales del s. XVII Vermeer utilizó instrumentos ópticos como la cámara oscura para lograr sorprendentes efectos de realismo, Hockney defiende que tales instrumentos empezaron a usarse ya durante el Renacimiento (Holbein) y continuaron usándose hasta bien entrado el s. XIX (Ingres), momento en que el descubrimiento de la cámara fotográfica obliga a la pintura a buscar nuevos caminos (Van Gogh).

Hockney demuestra su hipótesis buscando semejanzas entre aquellos retratos que pudieron haber sido realizados utilizando lentes para calcar la realidad. Encuentra que la desproporción entre rostros y cuerpos o la multiplicidad de puntos de vista son fenómenos presentes tanto en Holbein como en Velázquez, Caravaggio o Ingres. Hockney imita tales deformaciones en su conocido collage fotográfico Pearblossom Highway (1986)

Cézanne















Bouguereau



Estos dos cuadros se pintaron con cuatro años de diferencia; la bañista de Bouguereau (arriba) después de las de Cézanne. El Bouguereau es un ejemplo de pintura de Salón “académica”, lo que Cézanne pensaba que era locura deshonesta. En realidad podemos sonreír ante él; parece tan absurdo… esa ola a punto de romper sobre la muchacha que no siente la menos preocupación al respecto. En efecto, en la actualidad la ola nos parece más bien lo que en el cine llamaríamos una retroproyección; esto es, lo que tiene que ser. Podemos ver con toda claridad que está reclinada en una especie de plataforma (con los bordes hechos para que parezcan rocas) y no tiene relación real con el agua.
El Bouguereau es una ventana más allá de la cual está la ilusión y la fantasía. El Cézanne es más como un Poussin compuesto con cuidado sobre el lienzo. Somos conscientes de la pintura sobre la superficie de un lienzo. Sus bañistas, de un modo u otro, ocupan el espacio del espectador. Al final, la visión de la pintura de Cézanne triunfó sobre lo académico y abrió nuevas maneras de ver. La de Bouguereau finalmente fue descartado como una cosa tonta.
Pero hoy en día el “artificial” Bouguereau está de hecho más cerca de la mayor parte de la enorme cantidad de imágenes que la gente ve: fotografías, filmes, televisión. De modo que ¿qué manera de ver y de representar ha triunfado en realidad? ¡La imagen fotográfica! La pintura de Bouguereau también contiene algunas cosas que podemos ver a comienzos del siglo XX, pero que no necesariamente tuvimos que haber advertido antes. Obsérvese cómo los bordes de la ninfa han sido suavizados para armonizar con el mar. No son líneas quebradas ni angulosas. Esto es algo que los ordenadores hoy en día pueden hacer cuando se quiere superponer una fotografía con otra. Y de este modo, después de más de cien años, la mano del artista está volviendo a corregir la cámara, lo que nos devuelve adonde estuvimos una vez, antes de que nos sedujera la creencia en la “verdad” de la fotografía. ¡Qué diferencia del siglo XIX al XX! A comienzos del siglo XX los artistas todavía hacían la mayor parte de las imágenes a mano. A comienzos de un nuevo milenio hace muy poco, millones de personas todavía ven el mundo a través de imágenes hechas con una lente. Pero ¿son estas imágenes las honestas representaciones de la realidad que una vez pensamos que eran? La fotografía, durante tanto tiempo vista como vívidamente real, como no tocada por ninguna mano humano ¿ha empañado nuestra visión, disminuido nuestra habilidad para ver el mundo con alguna claridad?
En cuanto a esto, el filme, ¿Quién engañó a Roger Rabbit? fue más que un astuto filme para niños. Funcionaba en muchos niveles, pero lo de verdad interesante era la manera en que colocaba lo dibujado sobre lo fotografiado. La primera parte del filme mostraba a un personaje dibujado (Roger) en un mundo fotografiado; la segunda mostraba a un personaje fotografiado (interpretado por Bob Hoskins) en un mundo dibujado (Toontown). Lo realmente nuevo era la manera en que la figura dibujada tenía sus bordes suavizados para crear mayor ilusión de que estaba en el mismo espacio que el fotografiado (adviértase aquí que digo “fotografiado” y no “real”). Y el personaje fotografiado también tenía los bordes suavizados en el mundo dibujado, no parecía “pegado”. Antes de Roger Rabbit, todos los intentos de poner personajes dibujados junto a personajes fotografiados, como en Mary Poppins, tuvieron el impedimento de que las figuras dibujadas siempre tenían bordes duros.
Pero la manipulación de imágenes por ordenador está facilitando las cosas. Piénsese en Parque Jurásico: una magnífica mezcla de dinosaurios dibujados (que tienen un asombroso aspecto de fotografías) con un paisaje fotografiado en lo que parecía un corte sin costura. Para mí el encanto de este filme era que estaba hecho con una cámara, la cual se supone que captura la realidad, pero trataba de dinosaurios, que sabemos que no existen. De modo que ¿era eso “real”?
El ordenador también está cambiando la manera que tenemos de hacer y comprender las imágenes. Con su ayuda, los puntos de vista múltiples -perspectiva multiventana- ahora pueden volver a los cuadros. También vuelve a traer el dibujo, la mano del artista, a la imagen de la lente, aunque es difícil escapar a la perspectiva en general (si la perspectiva se invirtiera, cuando jugara con videojuegos, usted siempre sería consciente de estar matándose a usted mismo).
El “problema” de la perspectiva es ser recurrente y haber sido discutida en muchos momentos distintos a lo largo de los últimos seiscientos años. Pero en la actualidad apenas parece tener importancia para los realizadores de imágenes, aunque está profundamente relacionada con la óptica. Ahora hace casi seiscientos años desde que las publicaciones de arte plantearon por última vez el tema de la perspectiva como una manera válida. El cubismo se vio como la primera nueva disposición del espacio desde el Renacimiento. En 1912 Jacques Rivière escribió:
La perspectiva es accidental como la iluminación. No es la señal de un momento particular en el tiempo, sino de una posición particular en el espacio […] por lo tanto, en el análisis final, la perspectiva es también la señal de un instante, del instante en que cierto hombre está en cierto punto. Además, al igual que la iluminación, los altera, disimula su verdadera forma. En efecto, es una ley de la óptica; es decir, una ley física.
Por supuesto, la realidad nos muestra esos objetos mutilados de esa manera. Pero, en la realidad, podemos cambiar de posición: un paso a la izquierda completan nuestra visión. El conocimiento que tenemos de un objeto es […] una compleja suma de percepciones. La imagen plástica no se mueve, debe completarse a primera vista; por lo tanto, tiene que renunciar a la perspectiva.
Como dije en mi introducción, el ordenador fue esencial para este libro, pues permitió que la impresión en color resultara más barata y que se usara de manera más amplia. No habría sido posible construir mi Gran pared sin tener una fotocopiadora en color y una impresora a mano en mi taller (de otra manera habría tenido que arrancar hojas de todos mis libros). Necesitaba la pared para que me diera una visión general. En un libro se van pasando las páginas, de manera que los efectos visuales son acumulativos (como en este libro); no se puede ver todo a la vez. Podría haber introducido todos los cuadros en un ordenador y haberlos mirado en la pantalla, pero al enrollarlos y desenrollarlos habría alterado constantemente un borde más allá del cual no podría ver. Al sentarme y contemplar la pared, escudriñándola, fui capaz de unir los contrastes y las similitudes que aparecían. Se necesitó alta tecnología, pero, por lo general, también fueron necesarios unas tijeras y un frasco de cola (o chinchetas). La alta tecnología necesita baja tecnología; están siempre unidas, aunque yo señalaría que la mano, el corazón y el ojo son mucho más complejos que lo que puede serlo cualquier ordenador.
La visión humana es diferente desde una proyección óptica. En el siglo XXI nos hemos vuelto más conscientes de nuestras percepciones visuales. Hay una gran diferencia entre una imagen reflejada en un espejo y una imagen proyectada desde un espejo. La primera necesita el cuerpo y cambia con la posición del espectador. Pero la proyección parte desde un punto matemático en el espejo: el mundo como nadie lo ve. ¿Somos ahora más conscientes de esto?
Los cuadros de este libro acaban en el siglo XIX. El siglo XX fue explosivo en varios sentidos, pero también catastrófico. Al mismo tiempo que la pintura experimentaba con una perspectiva cambiante -el (desafortunadamente llamado) cubismo, al que dio origen Cézanne, fue una gran ruptura con el pasado- surgió el cine y al final dominó el siglo. Se consideraba que en él estaba el cuadro más vívido de la “realidad” jamás hecho. Se movió, y más tarde habló. No obstante, el cine, el vídeo y la televisión se basan todos en el tiempo, y son más efímeros que lo que al principio se pensó. La enorme mayoría de los filmes de Hollywood han desaparecido debido a problemas de almacenamiento y archivo. Polvo al polvo. He advertido que Hollywood en ocasiones publica lista de los “cien mejores filmes”. La cuestión no es cuáles están en la lista, sino que tenga que hacerse la lista. El público popular de los filmes la necesita. El cinéfilo es, por definición, un erudito. La fama de las estrellas de cine es pasajera, excluida por cualquier cosa que esté de moda en el momento.
A mediados del siglo XX la gente creía que Cecil B. DeMille había reemplazado a Alma-Tadema; a mediados del nuevo siglo Alma-Tadema está todavía con nosotros (un popular cartel del Getty Museum lo demuestra) y Cecil B. DeMille se hace cada vez más difícil de ver. Con las pinturas y los libros usted no necesita baterías ni una máquina. Una pintura es un objeto físico, artesano, un filme no. Sin embargo, los cuadros no se mueven, no hablan y duran más tiempo. El filme y el vídeo traen su tiempo hasta nosotros, nosotros llevamos nuestro tiempo a la pintura; es una profunda diferencia que no desaparecerá.
En el siglo XXI vamos a ver los últimos seiscientos años de manera diferente. Es inevitable: cada era ve el pasado de manera diferente y la convierte en su presente. Cuanto más puede uno ver el pasado más puede ver el futuro. Hay mucho que aprender de estas imágenes. Cuando salí de la exposición “El genio de Roma” de la Royal Academy en enero de 2001, en la calle me paró un estudiante del Royal Academy Schools. Me preguntó si iba a dar una charla en las escuelas. Le expliqué que sólo estaba en Londres por unos pocos días más, pero le pregunté que pensaba de la exposición. “Abrumadora”, dijo, sin ánimo, como si los cuadros los hubieran pintado míticos semidioses mucho más allá de las habilidades de él. No tenía idea de cómo se habían logrado las pinturas. El conocimiento no había sido trasmitido. Caminé con él hasta la National Gallery, mientras me daba cuenta de que había una acusación a la historia del arte que parecía no afectar a las técnicas de enseñanza. Si la ciencia no transmite su conocimiento al joven que pronto estará en una edad oscura, ¿no es irresponsable? Menciono esto para todas aquellas personas que piensan que mi tesis quita algo de magia al arte. No lo hace. De hecho, para mí, mis investigaciones han significado el redescubrimiento de las habilidades (con la óptica) y los métodos que pueden enriquecer el futuro.
El poder de las imágenes inmóviles perdurará. Lo bien hecho será apreciado y, por lo tanto, conservado. Si digo “Enrique VIII”, de inmediato un cuadro viene a la mente, un cuadro de un gran artista, Holbein. La imagen hecha a mano es una visión humana. Hay un gran mundo hermoso ahí fuera, con nosotros en él. Ahora es posible, con ayuda del ordenador, una nueva visión de él para destruir la tiranía de la lente. Algunos ya han señalado que el nuevo cine digital es un súbgenero de pintura. Emocionantes tiempos nos esperan.




Artículo: Detrás de la lupa: ¿pintores o fotógrafos? por Doifel Videla















jueves, 20 de marzo de 2008

El Chato. De Pepe Varela Rosillo

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El Chato. De Pepe Varela Rosillo


Hola Chato.

La primera impresión que me causo fue un poco repulsiva, no es bueno dejarse llevar por lo superficial.

Cuando lo he observado con mas detenimiento, me he encontrado con un abuelo tierno, esa mirada parece cansada, que ya lo ha visto todo, se sorprende de pocas cosas, pero esta dispuesto a comprender lo que se le ponga delante, su impoluta camisa blanca que con reposado cariño plancho ayer tarde la abuela, decorada con delicadeza con la corbatita coloreada. Con su mano izquierda con delicadeza coge su pipa, mientras a su derecha de su mano lleva al chatito, su nieto del alma, el descendiente de su hijita pequeña. El chatito con pantalón corto deja ver sus rodillas llenas de las heridas de sus travesuras, pero cuando va de la mano de su abuelo, se transforma en otro niño, su abuelo es el único mayor que lo trata como un igual, con el que puede hablar de sus charcas y sus ranas, y de sus amores infantiles, su abuelo le comprende. No sabe donde va quizás a ver una esquina del centro, una fachada, una farola, su abuelo sabe todas las historias. Pero lo que el espera con ansia, es el final del paseo, irán a aquel almacén desordenado, polvoriento, lleno de tesoros, en la puerta pone Bellas Artes, el cree que no hay de otro tipo, aun no conoce las “malas artes”, aun cogido de la mano de su abuelo espera las palabras mágicas: “venga escoge lo que quieras, pero ya sabes, no te pases de un duro”. Y entonces empiezan los sueños, no compra ni papel, ni lápices, ni tinta, compra barcos, dragones, caballos, piratas,… compra sueños. El chato, el mejor abuelo.

Gracias Pepe, por haberme hecho soñar un rato.

miércoles, 13 de febrero de 2008

1º ENCUENTRO NACIONAL "AMIGOS DEL ARTE"

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1er ENCUENTRO NACIONAL DE ARTISTAS“AMIGOS DEL ARTE”

La exposición “AMIGOS DEL ARTE” nace como un encuentro de artistas que aman la convivencia, con el firme propósito de ofrecer el testimonio de una realidad estética (que sin duda sigue la inspiración propia de cada uno/a) pero cuya particularidad radica en la afinidad común de unas personas que tienen la necesidad de dar vida a un proyecto humano, social y cultural compartido.Por de pronto, los artistas que conforman esta muestra, desean brindar al espectador la sin duda gozosa ocasión de deleitarse con su obra, fruto no sólo de su inspiración, talento y creatividad, sino también de su diaria dedicación, de su disciplina y de su compromiso con el arte.
Esta exposición abarca, pues, obras de artistas de distintas edades con diversas vivencias existenciales y múltiples y variados conceptos artísticos, las cuales son como un amplio abanico de diferentes lenguajes contemporáneos planteados como punto de encuentro y reflejo de coherencia personal de cada uno de los artistas que participan en ella. Pintura y escultura realizadas con la calma implacable del trabajo realizado con esmero, con ternura y con disciplina; por eso son sinceras, a veces vigorosas, pero por completo ajenas a la rutina. Estética y humanamente es esta una exposición histórica.Xesús Cameselle BenLos artistas que nos visitan son:
Ana Lorena Moledo de A Coruña
Dayra Madrona de San Vicente del Raspeig, Alicante
David Rubio de Barcelona
Dulce González de Las Palmas de Gran Canaria
Esteve de Novelda, Alicante
Gonzho de ToledoJavier Riveiro de Pontevedra
Jero Pinto de León
Juan A. Segovia Páez de Tenerife
Magda Pinto de Valladolid
Manolo López de Barcelona
Marco Picos Sol de Gijón
Marcos Lorenzo de Tenerife
Miguel Sevillano de Barcelona
Muz - Martínez de San Vicente del Raspeig, Alicante
Román Cortes de Málaga
GALERIA DE ARTE SAN VICENTE
C/ Pi y Margall, 1103690 – San Vicente del Raspeig, (Alicante)
Tef. 965 67 42 87 Móvil. 625 03 56 75
DEL 2 AL 20 FEBRERO DE 2008

La nueva edición de 'Art al carrer' expone las obras de 16 artistas

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La nueva edición de 'Art al carrer' expone las obras de 16 artistas
02.02.08 -
ALICANTE

La Concejalía de Turismo de San Vicente ha organizado una nueva edición de la exposición de cuadros Art al Carrer, que tendrá lugar este domingo durante toda la mañana. La edil del área, Francisca Asensi, ha destacado que "este domingo asistirán a la muestra dieciséis artistas que expondrán sus obras de arte en la calle Mayor, para el disfrute de los vecinos sanvicenteros".Francisca Asensi ha resaltado que "este domingo Art al Carrer será un acontecimiento único, por lo que esperamos la visita de los vecinos sanvicenteros a la muestra". La edil del área ha explicado que "la exposición contempla obras de arte realizadas por artistas de distintas edades, donde se puede apreciar diferentes estilos pictóricos como reflejo de las vivencias personales de cada uno de ellos"."A la muestra asistirán artistas de diferentes ciudades de España: Ana Lorena Moledo, Dayra Madrona, David Rubio, Dulce González, Esteve, Gonzho, Javier Riveiro, Jero Pinto, Juan A. Segovia Páez, Magda Pinto, Manolo López, Marcos Picos Sol, Marcos Lorenzo, Miguel Sevillano, Muz-Martínez y Román Cortés", ha añadido la edil.

lunes, 28 de enero de 2008

Cuentos magníficamente ilustrados

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Hay un mundo delante de nuestros ojos que a veces pasa desapercibido, y es doblemente atractivo, la combinación de dos cosas que nos apasionan la literatura y la pintura, dos mundos artísticos magníficamente combinados, este mundo esta en los cuentos infantiles.

No soy ningún experto en este tema, pero el tener dos hijos pequeños me ha dado la magnifica oportunidad de descubrirlo o de constatarlo, porque todos sabemos que está ahí.

No necesitamos ningún niño para disfrutar de su belleza, pero si lo compartimos con uno, además del disfrute del cuento, tendremos unos ojitos mirándonos y una sonrisa que no encontraremos en ningún otro sitio, en este caso la búsqueda se puede complicar, o no, pero la recompensa también será múltiple.

Estos que menciono solo son un ejemplo, no conozco a fondo el mundo de la ilustración, y seguro que hay mejores, pero estos ya solos sirven como excusa para perder un rato en la esquina de literatura infantil de la librería buscando nuestro tesoro.

El canto de las ballenas
Dyan Sheldon
Ilustraciones: Gary Blythe















¿PUEDES PESCAR UNA SIRENA?
AUTOR/ES: RAY, JANE


















EL OSO QUE AMABA LOS LIBROS
Dennis Haseley
Ilustrado por Jim La Marche

















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Patricia Metola

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